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Edgar Degas (1834-1917)

Le bureau de coton à la Nouvelle-Orléans 

1873

Huile sur toile
Dim 74 x 92 cm 

Conservé au musée des Beaux-Arts de Pau, France 

 

 

Le peintre 

Degas est un artiste d’une rare intelligence, préoccupé d’idées, un cerveau actif, toujours en ébullition.
Il sait traduire le caractère même de la vie moderne.

 

 

Le tableau 

Le bureau de coton à la Nouvelle Orléans est un tableau capital dans l’œuvre d’Edgar Degas, peint en 1873, au moment où l’artiste séjourne chez sa famille en Louisiane.

Cette œuvre occupe une place singulière : elle est à la fois une scène de genre, un portrait de famille, une observation économique et un regard très moderne sur le monde du travail.

Degas se rend à la Nouvelle-Orléans en 1872, dans un contexte personnel et familial particulier. Sa mère était d’origine créole, et plusieurs membres de sa famille vivaient en Louisiane. Il loge notamment chez son oncle, Michel Musson, qui tenait avec ses associés une maison de courtage du coton. 

C’est dans ce milieu que Degas trouve le sujet du tableau.

L’œuvre représente l’intérieur d’un bureau de coton, c’est-à-dire un lieu ou l’on examine, négocie et classe la marchandise qui faisait alors la richesse du Sud des États-Unis. 

Nous sommes peu de temps après la guerre de Sécession, la ville se reconstruit, l’économie cotonnière se réorganise, et Degas saisit ce moment de reprise, mais sans emphase héroïque. Il ne peint ni une allégorie ni une scène historique spectaculaire, il montre le fonctionnement concret d’un commerce.

Le tableau est aussi interessant pour son inscription dans l’histoire de l’art. 

Contrairement aux sujets des danseuses, des courses ou d’intérieurs parisiens souvent associés à Degas, ici le peintre traite un thème contemporain, presque documentaire. Cela en fait une œuvre très originale dans sa production.

On souligne souvent aussi l’importance muséale du tableau.

Il fut très remarqué et compta parmi les œuvre françaises représentant l’Amérique du XIXe de manière directe et non exotique.

 

 

Composition 

La scène montre plusieurs hommes occupés à des taches différentes dans une pièce claire et profonde :

-au premier plan, un homme assis lit un journal
-au centre, d’autres examinent des échantillons de coton
-à l’arrière-plan, certains discutent, écrivent ou attendent
-les ballots, les aires, les tables et les gestes professionnels structurent l’espace.

L’ensemble donne une impression de vie saisie sur le vif, presque photographique.

Pourtant, la composition est très construite.
Degas organise les figures selon une succession de plans et de diagonales qui guident l’œil à travers la toile.
Les personnages semblent absorbés dans leurs activités, sans poser pour le regardeur.

Cette absence de mise en scène théâtrale est essentielle,
Degas cherche moins le pittoresque que la vérité sociale et visuelle d’un intérieur de travail.

Sa palette est sourde 

 

 

Analyse 

Degas cherche à saisir les « gens dans des attitudes familières et typiques »
Degas cherche à à insuffler à son tableau la spontanéité des scènes prises sur le vif.
Degas exploite la potentialité d’un sujet neuf.
Il s’intéresse à la fois à l’organisation complexe de l’espace, aux effets lumineux produits par l’éclairage artificiel et aux mimiques éloquentes des personnages.

Pour Degas, le naturel, les mouvements sans pose ont, au-delà de leur puissance expressive, la faculté de définir un groupe social à travers la façon dont les corps, au travail ou au repos, sont marqués par l’exercice d’un métier.

Degas représente un espace clos où il n’y a que des hommes.

Degas est l’héritier assumé du classicisme, mais dont les procédés sont mis au service d’un regard grinçant porté sur le présent.

Degas est l’héritier assumé du classicisme 

Cela signifie qu’il conserve des exigences très classiques : rigueur de la composition, sens de l’équilibre, précision du dessin, attentif aux attitudes et à l’organisation de l’espace.
Dans Le bureau de coton à la Nouvelle-Orléans, rien n’est laissé au hasard, la disposition des personnages, les lignes de fuite, la répartition des masses claires et sombres montrent une construction très maitrisée.

Pourquoi cela convient bien au tableau 

Dans Le bureau de coton à la Nouvelle-Orléans, on voit bien cette double dimension :
-classique, par la solidité de la composition et la maitrise picturale
-moderne, par le sujet titre de la vie économique contemporaine
-critique, parce que les personnages paraissent juxtaposées plus qu’unis, chacun enfermé dans sa fonction.
-ironique ou grinçante, parce que la peinture de genre devient presque un constat sur un monde gouverné par l’échange marchand.

Degas ne caricature pas ouvertement, mais il introduit une forme de lucidité sèche. 

Le tableau ne dénonce pas brutalement, il laisse apparaitre, par la mise en scène même, l’isolement des individus et la domination du commerce.

Ce tableau est remarquable par sa modernité.

D’abord Degas peint un sujet lié au capitalisme moderne, circulation des marchandises, travail du bureau, spécialisation des rôles, économie mondiale. 

Le coton n’est pas ici un simple motif décoratif, il est au cœur d’un système commercial. Le tableau devient ainsi une image du monde contemporain.

Ensuite, Degas brouille les genres. L’œuvre est à la fois :
Un portrait collectif : plusieurs membres de la famille et des associés sont représentés individuellement.
Une scène de genre : une activité quotidienne, observée dans sa banalité apparente
Un tableau de travail : des gestes professionnels précis, liés au commerce
Un document social : l’organisation d’un milieu économique après la guerre de Sécession

La peinture traduit une tension subtile entre ordre et dispersion.

Chaque personnage semble pris dans sa propre action, ce qui pourrait donner une impression d’éparpillement. Mais Degas maintient une forte unité grâce à la lumière, aux lignes de fuite et à la répétition des blancs, gris et noirs. 

Le coton lui-même par sa blancheur, ponctue l‘espace et attire le regard.

Sens de l’œuvre 

On peut lire le tableau de plusieurs manières.

D’une part, c’est une réflexion sur la modernité bourgeoise : un monde d’affaire, de lecture, d’échange, de classement, ou les individus coexistent sans véritable communication intime.
Chacun travaille, attend, vérifie, négocie.
Cette distance entre les personnes annonce déjà certains aspects de la sensibilité moderne.
Enfin, le tableau  manifeste la capacité de Degas à faire de la peinture un art de l’observation rigoureuse. Il ne cherche pas à idéaliser. 

Il donne à voir une espace social réel, avec ses gestes, ses attitudes et son rythme.

 

 

Conclusion 

Le bureau de coton à la Nouvelle-Orléans est une œuvre majeure parce qu’elle combine :
un ancrage historique précis, dans l’Amérique de l’après-guerre de Sécession.
une dimension familiale, avec la présence du cercle des Musson
Une grande modernité picturale, dans le cadrage et la composition
Une valeur sociale, en montrant le travail et le commerce comme sujet dignes de la grande peinture.

Héritier du classicisme par son sens de l’ordre et de la construction, Degas en détourne pourtant les siens au profit d’un regard aigu sur son temps : dans Le bureau de coton à la Nouvelle-Orléans, la maitrise formelle ne sert plus l’exaltation d’un idéal, mais l’exploration presque grinçante de la modernité bourgeoise.

(Grinçant : froideur des rapports humains, fragmentation du groupe, balance commerciale élevée au rang de sujet pictural, absence d’héroîsation.)

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

La loge 

1874

Huile sur toile
Dim 80 x 63,5 cm 

Conservé à la  Courtauld Gallery de  Londres 

 

Le peintre 

Saisissant la vie dans ses instants de joie et de bonheur, Renoir devint l’un des plus grand artistes impressionnistes.
Son style évolua, passant de l’impressionnisme à une période dite « ingresque » dans les années 1880 sous l’influence des maîtres de la Renaissance, avant d’adopter une période « nacrée » la décennie suivante.
En 1862, Renoir parvint à entrer à l’école des Beaux-Arts de Paris. Il suivit l’enseignement de Charles Gleyre. Dans cet atelier il rencontra Claude Monet, Frédéric Bazille et Alfred Sisley.
En 1864 il quitta les Beaux-Arts. Avec ses amis du Café Guerbois Renoir s’intéressa à la lumière naturelle et partit peindre en plein air sur le motif dans la forêt de Fontainebleau.
Sa toile Portrait de William Sisley –1864 fut sa première œuvre acceptée au Salon.
L’art du portrait dans lequel il excellait lui permit d’assurer tout au long de sa carrière des rentrées financières.

 

 

Le tableau 

Le tableau représente une femme élégante et un homme dans une loge de théâtre parisien.

Le théâtre et l’opéra sont vus comme des lieux où l’on vient autant pour être vu que pour admirer le spectacle.

Le frère du peintre Edmond Renoir est le modèle masculin et la femme est le modèle Henriette Henriot. C’est la première fois qu’elle apparait dans l’un de ses tableaux.

Cette scène a été reconstitué en atelier.

Présenté dans l’exposition impressionniste de 1874. En novembre de la même année la toile fut présentée au public londonien par Paul Durand-Ruel mais ne trouva pas preneur.

Cette œuvre fut acquise par Samuel Courtauld en 1925 pour un prix considérable.
Elle est depuis l’une des pièces majeures de sa collection.

 

 

Composition 

La composition très serrée de Renoir, donne l’impression d’un instantané de la vie moderne. Cette composition est très peu conventionnelle.

Le point de vue adopté est fantaisiste car le regardeur se trouve comme de plain-pied avec la loge, pourtant en hauteur puisqu’il s’agit d’un balcon, le bord de la balustrade est visible au premier plan.

Renoir utilise des touches fluides et une dissolution des contours pour capter l’atmosphère éphémère de la scène.
Les touches de couleurs rapides et vigoureuses sont simplifiées à l’extrême.
Les couleurs sont juxtaposées ou superposées. 

Renoir s’intéresse au rendu d’une impression d’ensemble.

Renoir est un très grand portraitiste, inscrit dans la tradition des peintres du XVIIIe français qu’il admirait. Tout dans le teint et le vêtement apparait évanescent et subtil, comme les roses que la jeune femme porte dans les cheveux et au corsage.

La femme assise attire tous les regards. Elle porte une robe à rayures noires et blanches très élégante, des bijoux de perles et tient des lorgnettes baissées.
Comme chez Rubens, la femme a des formes pleines, la peau nacrée et fraîche, et la chevelure vaporeuse et scintillante.
Son regard direct interpelle le regardeur avec une assurance troublante, tandis que son compagnon masculin, relégué dans l’ombre à l’arrière plan, scrute les autres loges avec ses jumelles de théâtre. Il regarde à travers ses jumelles vers le haut des gradins du public, ignorant la scène principale.

Les rayures audacieuses de la robe très à la mode de la femme sont un contrepoint flamboyant à la tenue du soir de l’homme, de couleur similaire.
Les rayures de la robe et les fleurs sur le corsage démontrent la virtuosité de Renoir, avec une touche à la fois libre de près et structurée de loin.

Renoir déploie sa virtuosité technique caractéristique avec des touches vibrantes et fluides qui font scintiller les étoffes et la carnation laiteuse de la jeune femme. Les tons chauds, or, rose, crème, contrastent harmonieusement avec les noirs profonds du vêtement, créant une symphonie chromatique raffinée.

Le contraste est fort entre le noir du costume masculin et les teintes lumineuses de la robe et du visage de la femme.

Le contraste noir et blanc
La robe est une alternance de larges bandes noir et de blanc crème.
Le costume est une masse sombre et opaque qui met en valeur la clarté de la robe.

Le visage de la femme a une peau diaphane et lumineuse encadrée par la chevelure sombre.

L’animation par les touches de couleur
Le fleurs sont roses et rouges vifs piquées sur le corsage et dans les cheveux.
Les bijoux ont un éclat d’or jaune et de perles qui captent la lumière artificielle.
Les gants ont des tons chair et crème qui adoucissent la transition avec l’éventail.

L’application et l’harmonie
L’arrière-plan : ce sont des tons chauds de rouge, de brun et d’or pour simuler l’atmosphère feutrée du théâtre.
Les ombres sont des reflets bleutés et violets dans les zones blanches , une signature technique impressionniste.

La touche, le pinceau est fluide et rapide, il évite les contours nets pour privilégier la vibration colorée.

Le traitement de la lumière artificielle met en valeur le teint nacré du modèle et l’atmosphère feutrée du lieu.
La lumière diffuse, typique des intérieurs de théâtre, enveloppe les figures d’une atmosphère intimiste et mondaine à la fois, révélant la maîtrise du peintre dans le rendu des ambiances artificielles.

La  disposition asymétrique crée une tension narrative subtile entre apparence et observation, entre être vu et voir.

 

 

Analyse 

Ce divertissement était très à la mode dans la seconde moitié du XIXe, et offrait une occasion au beau monde de se montrer et de se rencontrer.

Renoir semble se moquer de ce manège social.

Le peintre joue avec des oppositions entre les deux personnages :  la jeune femme, très jolie et élégamment vêtue d’une robe blanche à rayures noires, pose pour être admirée.
C’est elle l’objet de tous les regards, au cœur de l’attention de la société du théâtre.
Son compagnon quant lui, a porté ses jumelles au visage car il doit être occupé à observer d’autres élégantes dans l’assistance ou les danseuses sur scène.

Renoir semble se moquer de ce manège social. 

L’impressionniste, en tout cas, témoigne qu’il est un très grand portraitiste.
Inscrit dans la tradition des peintres du XVIIIe qu’il admirait.
Tout dans le teint et le vêtement apparait évanescent et subtil, comme les roses que la jeune femme porte dans les cheveux et au corsage.

La loge n’est pas seulement un lieu pour voir un spectacle, c’est un espace où l’on se montre et où s’exerce la représentation sociale de la bourgeoisie parisienne.

La femme est exposée au regard du public tout en observant elle-même.
L’homme regarde un autre point de la salle, jouant le rôle de celui qui observe l’assistance.

Les éloges : l’élégance et la séduction 

Le triomphe de la Parisienne : plusieurs critiques ont loué la grâce, la peau nacrée et l’élégance de la jeune femme.
La poésie du pinceau : des observateurs et artistes de l’époque (comme Berthe Morisot dans sa correspondance) ont qualifié la robe de « floconneuse » et ont salué la virtuosité des noirs et des blancs, perçus comme un hommage réussi à Édouard Manet

Un succès d’estime : l’œuvre a voyagé la même année à Londres pour une exposition organisée par Paul Durand-Ruel, confirmant qu’elle était jugée comme l’une des pièces les plus fortes du mouvement naissant.

Les reproches : la respectabilité et le maquillage 

Une moralité douteuse : la critique conservatrice s’est interrogée sur le statut social de la femme. Le cadrage serré et son attitude ont poussé certains à y voir une « cocotte » (une courtisane) plutôt qu’une femme du monde.
L’excès d’artifice : le maquillage prononcé de Nini Lopez et le luxe ostentatoire de sa tenue ont été interprétés par les détracteurs comme un avertissement moralisateur contre les dérives de la mode et de la superficialité parisienne.

L’incompréhension de la touche : les journalistes habitués à l’art académique ont critiqué le fond et le personnage masculin estimant que l’ébauche et l’effet de flou s’apparentaient à un travail inachevé ou bâclé. 

L’impact financier immédiat 

Malgré de bonnes critiques globales, le tableau ne s’est pas vendu pendant l’exposition. En détresse financière totale, Renoir a dû le brader l’année suivante au marchand d’art « Père » Martin pour seulement 425 francs afin de payer son loyer.
À titre de comparaison le collectionneur Samuel Courtauld l’achètera 22 600 livres sterling en 1925.

Les critiques ont abondamment réagi au tableau. Ils craignent que la femme ne soit pas un membre respectablement marié de la haute société , mais plutôt une victime de la mode, trop habillée et excessivement maquillée, essayant de s’imposer sur la scène sociale.

La loge de Renoir contient des aspects de la mode contemporaine et de la satire, mais son principal souci était de démontrer sa technique de peinture éblouissante. 

La scène a été soigneusement arrangée dans l’atelier de l’artiste, avec un modèle appelé Nini Lopez posant pour la femme et le frère de Renoir, Edmond, pour l’homme, afin que Renoir puisse créer une symphonie en noir et blanc.  

 

 

Conclusion 

La performance virtuose d’œuvres telle que La loge a rapidement établi  Renoir comme l’un des principaux peintres impressionnistes de sa génération.

La loge de Renoir capture l’essence même de la vie parisienne mondaine, cette toile témoigne de la fascination du peintre pour les lieux de sociabilité élégante où se côtoient spectacle et représentation sociale.
Le tableau immortalise un couple assistant à une représentation théâtrale, thème cher aux impressionnistes qui trouvaient dans ces espaces confinés un laboratoire idéal pour observer les jeux de lumière artificielle et les rituels de la haute société parisienne.

Cette œuvre conservée au Courtauld Institute Gallery de Londres, est une œuvre majeure qui illustre parfaitement la rupture impressionniste avec l’académisme.

Apollinaire : « Les œuvres de Renoir, même les plus connues, restent neuves par leur perpétuelle jeunesse. Comme un adolescent merveilleux, il porte avec lui son printemps »